Translate

diumenge, 17 de maig del 2026

(3) LA FUGIDA, de Sam Peckinpah (1972)

Sense moral
La corrupció introduïda en una pel·lícula d'acció. Així és com es podria definir aquest treball de Sam Peckinpah. Una de les grans virtuts d'aquesta obra és la intel·ligent construcció del seu guió, el qual ens condueix per una història de corrupció, traïció i depravació. I és que, a banda de les contínues —magníficament filmades— escenes d'acció, el realitzador americà hi imposa la seua empremta amb injeccions d'autèntica mala llet en els personatges. D'aquesta manera, la caricatura envolta el film desmitificant els valors convencionals occidentals, els quals queden fets malbé. 
És impactant la relació triangular entre el matrimoni assaltat i el seu botxí, creant-se un pervers cuckold amb suïcidi inclòs. Tret del romanticisme (amb replantejament de la relació) per part de la parella de fugitius i del bon samarità que els ajuda, la causticitat i la ironia imperen en una trama (i subtrama) trufada de personatges tramposos, corruptes i sense sentiments que no és més que una metàfora de la realitat que ha envoltat i envolta el món.

THE GETAWAY. 1972. Estats Units. Color. 122 Min.
Direcció: Sam Peckinpah
Intèrprets: Steve McQueen, Ali MacGraw, Ben Johnson, Sally Struthers, Al Lettieri, Slim Pickens, Bo Hopkins, Richard Bright, Dub Taylor, Jack Dodson, Roy Jenson, Bill Hart
Guió: Walter Hill. Novel·la: Jim Thompson
Música: Quincy Jones
Fotografia: Lucien Ballard

dissabte, 16 de maig del 2026

(4) LA LLISTA DE SCHINDLER, de Steven Spielberg (1993)

Acte revolucionari: salvar vides humanes
No és fàcil reflectir en unes imatges de ficció tot el patiment humà. L'espectador ha de rebre uns senyals que, d'alguna manera, l'han de fer esborronar; altrament, l'intent artístic serà tot un fracàs. 
En el cas d'aquest film estem parlant d'una història moltes vegades contada a la pantalla gran, però que se centra en la figura d'Oskar Schindler i la seua gran aportació a la vida i a la humanitat. Cal no oblidar, però, que l'empresari alemany era del partit nazi i, en un principi, veia els jueus com a rèdit econòmic. En eixe aspecte la seua mentalitat d'empresari i també d'explotador (encara que evidentment no era un assassí) hi està present. No obstant això, en el desenvolupament de la trama experimenta una metamorfosi per a executar un acte revolucionari i de rebel·lia: salvar vides humanes.
Com deia al principi, no és una tasca senzilla contar i transmetre aquests esdeveniments que tant ens han colpit. Doncs bé, el director nord-americà ho va aconseguir. Primer per la seua narració tan planera i després per les seues seqüències on s'utilitza un intel·ligent blanc i negre que li dona un caire anyenc al relat.
La pel·lícula està basada en fets reals. Costa entendre com de vegades es donen situacions on existeixen actituds tan diferenciades entre el bé i el mal, quasi sense matisos. D'un extrem a l'altre anem de la bonhomia de l'empresari, i del seu comptable i gerent Itzhak Stern, a la psicopatia d'Amon Goeth, fantàsticament interpretat per Ralph Fiennes (amb eixos aires d'emperador i deliris de grandesa, capaç de llevar la vida a algú segons li vinga de gust).
I per damunt de tota aquesta qualitat cinematogràfica m'agradaria destacar dos elements que em van captivar:
Un: el de la xiqueta que portava l’abric de color vermell, una imatge metafòrica i torbadora del genocidi infantil, el clic que canvia el cervell del protagonista. L'altre: l'emocionant i memorable escena final on Schindler, modest messies, es culpa perquè hauria pogut fer-ne més, i en cert sentit, també ens ho diu a nosaltres. Ell plora, els jueus l'abracen i l'emotivitat i la tendresa omplin els nostres cors.

SCHINDLER'S LIST. 1993. Estats Units. Blanc i Negre. 195 Min.
Direcció: Steven Spielberg
Intèrprets: Liam Neeson, Ben Kingsley, Ralph Fiennes, Caroline Goodall, Embeth Davidtz, Jonathan Sagall, Ezra Dagan, Mark Ivanir, Malgorzata Gebel, Béatrice Macola, Oliwia Dabrowska, Shmuel Levy
Guió: Steven Zaillian. Novel·la: Thomas Keneally
Música: John Williams
Fotografia: Janusz Kaminski

dijous, 14 de maig del 2026

(4) DIES DE VI i ROSES, de Blake Edwards (1962)

Anàlisi de l'alcoholisme
El consum d'alcohol, tan acceptat i normalitzat al llarg de la història de la humanitat, ha fet estralls en la salut mental i física de moltes persones que han caigut en les seues xarxes. Quant de patiment arrossegat, quantes vides i famílies destruïdes per una addicció que anihila la personalitat de qualsevol. Són drames que no es veuen, però que esdevenen dia rere dia en la nostra i més normal quotidianitat. L'alcohol és un costum que ha estat arrelat en la societat occidental, adherit al curs normal de la vida laboral, festiva o domèstica, i les tímides campanyes en la seua contra no han sigut suficients per a mitigar el seu efecte, així com tampoc les associacions que han donat suport a les víctimes de la malaltia, encara que sí que han ajudat.
Aquesta pel·lícula s'endinsa en aquesta problemàtica fent-li un tractament, a més d'interessant, contundent, especialment per la seua duresa en les imatges. I és que la pel·lícula dona un tomb radical tant pel que fa al gènere cinematogràfic (la comèdia esdevé drama) com per la transformació que experimenten els personatges: l'alcohol va penetrant-hi de manera innocent fins a apropiar-se de les seues vides.
És important la serietat amb què reflecteix eixos conceptes i la profunditat amb què els aborda en la trama: són alcohòlics (tot i que ja no beguen) i no ets un igual si no els acompanyes en el procés d'ingerir-lo. I també en la importància que li dona al fet de ser víctimes i que necessiten suport (l'aparició de les reunions d'Alcohòlics Anònims en fa palesa). En eixe aspecte el film no és càndid, sinó que va al gra amb la finalitat de mostrar la cruesa dels seus efectes físics i psicològics. És per això que aquesta obra no deixa indiferent ningú: ben feta i interpretada (brutal Jack Lemmon), i molt encertada la posada en escena i el seu embastat guió.
Què més se li pot demanar al seté art? Jo pense que no molt més si el producte final és com aquest: entretingut, reflexiu, social i didàctic.

DAYS OF WINE AND ROSES. 1962. Estats Units. Blanc i Negre. 117 Min.
Direcció: Blake Edwards
Intèrprets: Jack Lemmon, Lee Remick, Charles Bickford, Jack Klugman, Alan Hewitt, Tom Palmer, Debbie Megowan, Maxine Stuart, Jack Albertson
Guió: J.P. Miller
Música: Henry Manciny
Fotografia: Philip H. Lathrop 

dimecres, 13 de maig del 2026

(2) DESIG, PERILL, d'Ang Lee (2007)

 Complexitat i ambigüitat
Les complexitats i contradiccions de l’ésser humà es destapen en aquest film en el qual, d’alguna manera, tots els espectadors ens veiem reflectits. I és que hi ha moments a la vida en què ens sentim desorientats davant de pulsions i volicions desconegudes.
Aquests processos mentals giren al voltant d’una trama molt ben ambientada (espionatge farcit de suspens i thriller), amb un cert halo de misteri i amb una impecable factura tècnica. No obstant això, l’obra es ressent a causa d’un metratge innecessàriament eixamplat que dona lloc a moments pròxims al tedi. Encara que cal reconèixer que, a mesura que va avançant la narració, va agafant forma fins al seu clímax final, el resultat és un estancament en el seu nus dramàtic.
“Desig, perill” explica una història interessant i didàctica amb connotacions polítiques i atractius apunts de la psicologia dels personatges; tanmateix, tal com s’ha assenyalat, fa la sensació de no haver sabut aprofitar totes les possibilitats del seu sucós guió.

SE JIE. 2007. Taiwan. Color. 156 Min.
Direcció: Ang Lee
Intèrprets: Zhou Xun, Jia Hongsheng, Hua Zhongkai, Yao Anlian, An Nai
Guió: James Schamus, Wang Hui-Ling. Historia: Eileen Chang
Música: Alexandre Desplat
Fotografia: Rodrigo Prieto

dilluns, 11 de maig del 2026

(5) EL ESPÍRITU DE LA COLMENA, de Víctor Erice (1973)

Cinema de percepcions i sensacions
Les sensacions que recorren l'ànima en els primers anys de vida són percepcions psicològiques, impressions que, sense adonar-nos-en, van modelant la nostra personalitat i donen forma a les nostres emocions. La fantasia i la il·lusió en la infància potser són les facultats humanes que s'acosten més a la felicitat: del no-res en pot sortir una cosa meravellosa perquè la imaginació d'un xiquet és l'arma més poderosa que existeix.
Llegint el paràgraf anterior apareix a la meua ment la imatge recurrent d'Anna, una de les xiquetes protagonistes del film. La seua mirada —amb els ulls ben oberts, tot expressant sorpresa— quan veu per primera vegada l'escena de Frankenstein juntament amb la noia a l'estany, il·lustra clarament aquest universal imaginari infantil.
El espíritu de la colmena és una autèntica lliçó de llenguatge cinematogràfic. Les seqüències són com estampes dels episodis que hi transcorren. Ja des del principi, amb els títols de crèdit dels dibuixos dels infants del film, i la fantàstica música hipnòtica de Luis de Pablo, ens endinsem en un món màgic a través de l'òptica de les dues nenes. Erice juga amb les foses i sobretot amb les el·lipsis. Amb aquesta tècnica pretén suggerir i proposar, però sobretot involucrar l'espectador.
“Un lugar de la meseta castellana hacia 1940…” El context és francament dur. Acabada la Guerra Civil, estem immersos en un país gris, ferit, injust i controlat. La posada en escena transmet aquesta sensació de desassossec i tristura a través dels primers plans i grans plans generals juntament amb l'excel·lent fotografia de Luis Cuadrado. En aquest paisatge hi ha un microcosmos familiar on els seus elements es contraposen, especialment en la relació entre el matrimoni; inexistent i sense cap mena de comunicació, i entre les germanes; una (Isabel) pragmàtica, i una altra (Ana) somiadora. Però també hi ha dos mons barrejats: l'adultesa i la infantesa. Tots dos, tan a prop però tan distants, perfilen les bases d'aquesta història tan senzilla i complexa alhora que conté una crítica a un règim ombrívol i tèrbol.
Els carrers d'un paisatge erm tenyit d'una foscor il·luminada obren les portes de la imaginació a través de la projecció del Dr. Frankenstein. La sessió de cinema a la sala desolada i malmesa, però eficaç, fa que xiquets, adults i grans troben un alleujament a les seues penúries. Mentrestant, Fernando, el pare, continua abstret en les tasques d'apicultor. La veu en off de Teresa, la seua dona, amb una carta d'amor al seu amant, ens avisa de la distància insalvable entre tots dos. 
Amor perdut i indiferència. Escrits inacabats sobre la cria d'abelles i aroma de desànim. Escola franquista i Don José (impensable una doña Josefa o un don José amb penis). La casa aïllada i la invocació a l'esperit. El maquis. La mort sempre present en la consciència d'Anna. El seu enuig, la seua rebel·lia i la seua fugida. Tot queda suspès en un lloc concret i en un espai de temps determinat. La mirada enigmàtica d'Anna, mirant el no-res, amb un significat misteriós i preclar alhora, resumeix l'esperit poètic i filosòfic —previ a l'autoconsciència— que tracta d'esbrinar el sentit de la vida.

EL ESPÍRITU DE LA COLMENA. 1973. Espanya. Color. 94 Min.
Direcció: Víctor Erice
Intèrprets: Fernando Fernán Gómez, Ana Torrent, Teresa Gimpera, Isabel Tellería, José Villasante, Ketty de la Cámara, Estanis González, Juan Margallo, Laly Soldevila, Miguel Picazo
Guió: Angel Fernandez Santos, Víctor Erice
Música: Luis de Pablo
Fotografìa: Luis Cuadrado

dissabte, 9 de maig del 2026

(2) EL JUEGO DE LA OCA, de Manuel Summers (1965)

Tornar a la casella de sortida
Aquesta va ser la primera pel·lícula a Espanya que va fer una aproximació sobre l'adulteri; el director sevillà es va convertir així en un pioner a reflexionar sobre aquest tema a través del seté art. 
El film arrenca amb Pablo, un jove dibuixant que s'enamora d'Angela, una administrativa de l'oficina. Tot i això, Pablo està casat amb Blanca amb qui té dos fills. Angela ho sap i també n'està enamorada. A partir d'aquí, la història comença a desencadenar un maremàgnum d'emocions i contradiccions.
És important ressaltar que als anys seixanta (de fet, es va mantenir fins al 1978) l'adulteri estava penat per la llei (vegeu l'article del Codi Penal del Consell de Ministres presidit per Franco) i reprovat per la societat. Encara que, realment, qui n'assumia la culpa sempre era la dona, i, a més, la infidelitat matrimonial estava a l'ordre del dia. Summers, membre a l'època del "Nuevo cine español", va ser molt valent amb aquesta proposta per mitjà d'uns personatges que l'espectador entén més pel que pensen que pel que fan.
Pilar Miró i el mateix Summers signen un encertat guió en què es plasmen les vicissituds d'aquesta parella al Madrid dels anys seixanta
La pel·lícula reflecteix una barreja entre el que és tradicional i el que és contemporani (de vegades, amb una Espanya més "moderna", com es pot observar a l'agència de publicitat o al Café). Gran part de la història està explicada a base de records (flashbacks) i desitjos dels protagonistes (Summers utilitza —i, certament, n'abusa una mica— molt aquest recurs, de vegades fins i tot d'una manera còmica). 
Els pensaments luxuriosos de Pau, les seues mentides, les seues incoherències i el seu sentiment de culpa estan narrats amb uns interessants primers plans (sobretot del personatge masculí). D'altra banda, el patiment de l'amant i de la dona acompanya tot el metratge en un joc de l'oca on  Pau tornarà a la casella de sortida per, potser, no jugar-hi més.

EL JUEGO DE LA OCA. 1965. Espanya. Blanc i Negre. 112 Min.
Direcció: Manuel Summers
Intèrprets: Sonia Bruno, María Massip, José Antonio Amor, Julieta Serrano, Pedro Sopeña, Paco Valladares, Juan Luis Galiardo, Ángel Luis Álvarez, Luis Barbero
Guió:  Pilar Miró, Manuel Summers
Música: Antonio Pérez Olea
Fotografía: Francisco Fraile

dijous, 7 de maig del 2026

(3) EL MÓN D'APU, de Satyajit Ray (1959)

Camí a l'autoconeixement
Com qualsevol persona que experimenta el trànsit de l'adolescència a l'edat adulta, l'Apu manté intactes els seus somnis els quals, igual que en el seu pare, s'escoren cap a la intel·lectualitat i l'escriptura. La societat índia, amb la seva peculiaritat i la seva idiosincràsia, exerceix en el protagonista, malgrat la seva evident “occidentalització”, una gran influència (el fet de deixar-se portar per l'irracional per contraure núpcies amb l'Aparna és bastant aclaridor).
La pel·lícula en si és tot un viatge d'autoconeixement; primerament, en un estat psicològic saludable: estudis, feina, fer-se un lloc com a escriptor… i, després, rere la mort de la seva esposa i el seu posterior enfonsament vital.
Com deia, l'exploració continua i els dubtes existencials sobre el sentit de la vida sorgeixen en cada moviment que realitza en el seu retir espiritual. La renúncia al seu fill, el concepte de culpa i els dubtes que l'aniran assaltant el portaran a un camí d'angoixa i desesperació.
Apur Sansar tanca fantàsticament aquesta interessant trilogia de la vida que Satyajit Ray broda amb el seu bell llenguatge tècnic i narratiu.

APU SANSAR. 1959. Índia. Blanc i Negre. 117 Min.
Direcció: Satyajit Ray
Intèrprets: Soumitra Chatterjee, Sharmila Tagore, Alok Chakravarty, Swapan Mukherjee, Dhiresh Majumdar, Sefalika Devi
Guió: Satyajit Ray. Novela: Bibhutibhushan Bandyopadhyay
Música: Ravi Shankar
Fotografía: Subatra Mitra