dissabte, 25 de gener del 2025

(3) UN SILENCI, de Joachim Lafosse (2024)

Realitat espinosa
M'ha costat introduir-me en aquesta pel·lícula, especialment en la seva primera mitja hora. En els seus inicis, el guió és massa confús perquè parla d’assumptes que encara es desconeixen i, d'alguna manera, hom es perd en el desori de noms i situacions. Tanmateix, després, he de confessar que em va atrapar com si fossin les garres d'un gegant. 
Així és. Amb una trama profundament psicològica, cada personatge té unes motivacions i uns comportaments condicionats pels abusos sexuals de François Schaar, un reputat advocat que, tot i tenir una vida aparentment exitosa, és membre d'una família disfuncional a causa de tot el mal que ha escampat i del silenci que ha imposat a la seva dona.
En el film s'observa la contradicció i la hipocresia (el pare porta un cas en el qual defèn a unes víctimes de la pederàstia), la covardia i la connivència (la mare amagant el crim del seu marit), la por arrossegada pels anys i la valentia en rebel·lar-se contra el seu progenitor (els seus fills, Pierre i Carol) i el desconcert viscut pel fill adoptat amb problemes d'adaptació social.
Per tal d'atorgar-li un matís objectiu a la història, la càmera té un comportament tímid; està com distant durant tot el metratge. Molts aspectes ocorren fora de camp (de fet a Pierre ni el veiem). Tot i que aquest recurs fílmic fa que costi que l'espectador connecti, crec que és un gran encert perquè després, com un trencaclosques, el director resol les situacions d’una manera molt hàbil.
En conclusió, una obra de denúncia, valenta i que, sense subterfugis pren riscos per a mostrar una realitat espinosa i incòmoda en la societat actual. Interessant.

UN SILENCE. 2024. Bèlgica. Color. 113 Min.
Direcció: Joachim Lafosse
Intèrprets Daniel Auteuil, Emmanuelle Devos, Matthieu Galoux, Jeanne Cherhal, Louise Chevillotte
Guió: Joachim Lafosse, Chloé Duponchelle, Paul Ismael
Música:  Ólafur Arnalds
Fotografia: Jean-François Hensgens

dissabte, 18 de gener del 2025

(3) MIDNIGHT COWBOY, de John Schlesinger (1969)

Somnis frustrats
Els nostres somnis —siguen els que siguen— tenen un objectiu clar i contundent: abastar la felicitat o, si més no, tractar de fregar-la amb la punta dels dits. Tant s'hi val les nostres circumstàncies o els designis que la providència (si s'admet l'accepció religiosa) ens haja proporcionat; l'important és resoldre la situació de forma lluïda.
Seria injust categoritzar o jerarquitzar els somnis: cap somni és millor que altre. En aquest cas, tots hi comporten el mateix nivell de satisfacció, si es culminen, és clar. Una altra cosa diferent seria la frustració generada quan les nostres esperances s'extravien pel camí.
Aquesta introducció té tota la intenció d'assenyalar als nostres protagonistes. Dos personatges marginals que tracten d'acomplir els seus somnis, barroers si volem, però somnis, al cap i a la fi. Amb un halo quixotesc, el gigoló traumatitzat i l'estafador d'anar per casa es refugien en l'amistat, una fèrria amistat que marca el ritme de la història, sent, a més a més, és el valor —entremig de tanta deixalla social i emocional— que excel·leix a la pel·lícula.
La narració és, per moments, totalment innovadora, utilitzant elements lisèrgics en els constants flashbacks (la infància de John Buck). No hem d'oblidar tampoc la fantàstica interpretació i la mítica cançó —Everybody’s Talking, de Harry Nilson— que acompanya a l'obra. Grats resultats fílmics que contrasten amb els somnis frustrats de John Buck i Rico Rizzo, tots dos antiherois, però valerosos —espcialment— en l'amistat.

MIDNIGHT COWBOY. 1969. Estats Units. Color. 113 Min.
Direcció: John Schlesinger
IntèrpretsDustin Hoffman, Jon Voight, Sylvia Miles, John McGiver, Brenda Vaccaro, Barnard Hughes, Ruth White, Jennifer Salt, Gilman Rankin, Bob Balaban, Georgann Johnson, George Eppersen
Guió: Waldo Salt. Novel·la: James Leo Herlihy
Música: John Barry. Cançó: Harry Nilsson
Fotografia: Adam Holender

(4) LLUNY DEL CEL, de Todd Haynes (2002)

De negres i maricons
Ho sé. Impressiona llegir el titular d'aquesta crítica. Primer, perquè hom no sap de què va, i segon, perquè, atesa la utilització i el to popular de la frase, fa una mica de fàstic. He de confessar, però, que aquest encapçalament és intencionat. Com a autor vull despertar la consciència del lector envers col·lectius que, a causa de la seva marginalitat, han sigut vilipendiats al llarg de la història. A més a més, també tinc el propòsit de jugar amb el llenguatge. De fet, en la pel·lícula no es pronuncia cap de les dues paraules, ans al contrari, les seves connotacions fan por a la gent i, per tal d'evitar-les, utilitzen les expressions com "de color" (per a la comunitat negra) o "suau" o "un d'eixos" (per a la gai). Però, clar, estem als anys cinquanta als Estats Units on impera el racisme i la intolerància sexual, un lloc difícil per a aquells que tenen una raça o una orientació sexual diferent de la resta. Lamentablement, tot i que s'ha avançat molt, encara se solen emprar despectivament aquests termes en l’actualitat.
Far from heaven —títol poètic i revelador— és una història de presons invisibles amb tres persones que viuen captives en sengles bambolles. El marit; en la de l'orientació sexual que ha d'amagar dia rere dia, l'esposa; en la d'una mestressa de casa encotillada en les directrius de la família burgesa americana, i, finalment, el jardiner; en la de la condició d'afroamericà en una societat fortament xenòfoba i excloent.
L'obra se centra en la figura de Cathy Whitaker. Abnegada esposa, mestressa de casa, un model de bonhomia que, a manera d'esclau del segle XX, viu enclaustrada en els canons socials marcats pel context social de l'època: "sigues bona esposa", "cuida els teus fills", "porta-li les sabatilles al teu home quan arribi de treballar", "ix de tant en tant a fer-te un cafè amb les amigues i no et permetis l'homenatge de sentir, alliberar-te o vibrar". És impossible no apreciar la seva qualitat humana: altruista, empàtica i en contra de les desigualtats socials. Tanmateix, no troba cap mena de sinergia i reciprocitat amb el seu marit, un home comú en el marc de la societat nord-americana d'aquell temps: principal sustentador econòmic de la família, moderat i judiciós. Un estendard del "somni americà", en definitiva. 
Eixa forma de vida tan arrelada en la meitat del segle passat va començar a ser qüestionada gràcies als moviments socials dels anys seixanta i setanta. No obstant això, tot eixe món idíl·lic es trontolla quan Cathy descobreix la doble vida del seu marit. Conversió sexual inclosa, la parella intenta dreçar la situació, però, tal com diu la dita: “la cabra avesada a saltar, té tendència a tornar-hi”, i la crisi matrimonial s'unfla com un suflé fins a explotar. Frank Whitaker, el marit, és un analfabet emocional, distant, que no demostra un bri de volença ni cap a la seva muller ni cap als seus fills. En eixir a la llum la seva vida paral·lela, tots dos intenten dissimular una situació irreversible que, finalment, cau pel seu propi pes. Podríem dir que tots dos són víctimes d'una societat opressora, però seria injust obviar aspectes de la seva personalitat d’ambdós que podrien millorar les condicions desfavorables en què es troben.
Tanmateix, encara hi ha un tercer en discòrdia. És el jardiner, Raymond Deagan, un personatge crucial en la trama on, dins d'eixa voràgine de crueltat, naix una bonica història d'amor inconfessable entre la Sra. Whitaker i ell. La connexió emocional de tots dos es palpa en l'ambient. De vegades no cal que diguin res, sobra amb els gestos, les mirades, les converses o en el simple fet de passar-t'ho bé (riure) amb l'altra persona.  Malauradament, tot s'esvaeix per estar en un món que imposa barreres a les emocions.
Aquesta cinta és a la vegada molt profunda i molt senzilla. La profunditat ve perquè explora el masclisme, la intolerància, el racisme i l'exclusió social. Perquè s'encarrega de trencar esquemes i brindar a la nostra existència el simple fet de viure i gaudir. Perquè mostra com a exemple una societat antihumana, constreta, que ho cataloga tot i que està marcada per absurdes normes. Una cultura que ha arrossegat una empremta residual a les noves generacions. Per contra, la senzillesa prové d’un guió que de seguida t'enganxa i per unes imatges que mostren els suburbis de la classe mitjana americana, amb paisatges uniformes que formaven part d'una comunitat aparentment idíl·lica.  És com transportar-te des de la ingenuïtat fins a l’empatia, per a posar-te en el lloc de l'altre i reflexionar sobre l'ofegament d'un parell d’ànimes que l'únic que pretenen és socialitzar i estimar.
El resultat de tot és un bellíssim melodrama acompanyat per una estupenda banda sonora d'Elmer Bernstein. I sí, no es mereix la capçalera que té en aquest article, però d’alguna manera volia simbolitzar el despropòsit de la intransigència que fa malbé i podreix aquest món. Perquè, al capdavall, no es tracta de negres i maricons. Només, de persones humanes.

FAR FROM HEAVEN. 2002. Estats Units. Color. 107 Min.
Direcció: Todd Haynes
IntèrpretsJulianne Moore, Dennis Quaid, Dennis Haysbert, Patricia Clarkson, Viola Davis, James Rebhorn, Celia Weston, Michael Gaston, Bette Henritze, Ryan Ward, Lindsay Andretta
Guió: Todd Haynes
Música: Elmer Bernstein
Fotografia: Edward Lachman

dimecres, 15 de gener del 2025

(3) VOLVERÉIS, de Jonás Trueba (2024)

Festa de separació
Fer una festa per a la separació d'una parella pot, com passa en aquesta pel·lícula, semblar una excentricitat. Però no ho és. Per què ho hauria de ser? Normalment, tot allò que surt de la norma social ho veiem com una "fricada", com una raresa pròpia d'aquells que només es preocupen de cridar l'atenció per tal d'aparentar ser més interessants. Tot i això, són maneres diferents de veure les coses i de donar-los, així, un enfocament més natural. Això és, precisament, el que fa Jonas Trueba amb aquest nou film: una mena d'experimentació bergmaniana, truffautiana i woodyniana que, gràcies al seu saber fer i al dels seus guionistes —entre els quals es troben la parella d'actors protagonistes— li atorga un encant especial.
Les reflexions sobre la parella, els diàlegs culturals sobre cinema o filosofia (molt rellevant i apropiada l'aparició del pare del director, Fernando Trueba) i les situacions amb gent propera a tots dos conformen diàlegs suggerents i enginyosos. A més, l'obra compta amb una posada en escena despreocupada i informal que la fa més propera a l'espectador. No hi falten les constants del director, el seu cinema introspectiu que apunta a l'ànima i les notes al marge dels dictats de la indústria. Per això el seu petit homenatge a Truffaut amb el seu recurs de "cinema dins del cinema", col·locant els personatges a la pel·lícula dels personatges principals.
Al final, el grup granadí toca a la festa i "volveréis", el mantra escoltat fins a no poder més, sembla complir-se, i aquesta cinta ens deixa amb la sensació d'haver estat partícips d'una bona feina que uneix comèdia, drama i vida amb tints cinèfils.

VOLVERÉIS. 2024. Espanya. Color. 114 Min.
Direcció: Jonás Trueba
IntèrpretsItsaso Arana, Vito Sanz, Fernando Trueba, Andrés Gertrúdix, Jon Viar, Ana Risueño, Francesco Carril, Isabelle Stoffel, Sigfrid Monleón
GuióJonás Trueba, Itsaso Arana, Vito Sanz
Música: Iman Amar, Ana Valladares, Guillermo Briales
Fotografia: Santiago Racaj

dimarts, 7 de gener del 2025

(3) EL NETEJABOTES (SCIUSCIÀ), de Vittorio de Sica (1946)

Pressons per a infants
En la Roma de temps de postguerra existia una dura realitat social que es caracteritzava per la misèria i la desocupació. Els drets dels infants eres quasi inexistents, i a més, tot i que la pediatria ja existia com a disciplina, la seva aplicació pràctica era molt limitada. Pel que sembla tampoc hi havia una regulació sobre la protecció a la infantesa i a l'adolescència. Al remat, des d'un punt de vista delictiu, equiparar adultesa amb infantesa (en l'obra els joves estan tancats i amuntegats en presons com si foren adults) és un gran error que porta conseqüències perilloses per al desenvolupament de qualsevol que s'hi trobi en les primeres etapes de la seva vida.
Vittorio De Sica ho reflecteix en la seva càmera a través d'un ambient feixuc i esquerp on la corrupció que era el denominador comú donava peu que s'abusés dels més desafavorits (l'engany de Panza envers els nois). De fet, l'atmosfera iniciàtica ja era injusta per al segment de població més vulnerable i sense recursos. Si a això li afegim la deixadesa per part de les institucions, la vida es convertia en un camí d'entrebancs.
El Netejabotes, parla de la innocència perduda, de la lluita per la supervivència en un context social hostil. És, a més, una història d'amistat en la infantesa (Giusseppe i Pasquale) amb un final tràgic i una denúncia a un règim que deixava de gaidó a la part més important d'una societat, com ho era la xicalla.

SCIUSCIÀ. 1946. Itàlia. Color. 93 Min.
Direcció: Vittorio de Sica
IntèrpretsFranco Interlenghi, Rinaldo Smordoni, Annielo Mele, Bruno Ortenzi, Cesare Giulio Viola, Emilio Cigoli
Guió: Sergio Amidei, Adolfo Franci, Cesare Zavattini, Cesare Giulio Viola
Música: Alessandro Cicognini
Fotografia: Anchise Brizzi